Cinéfilo, comunicador social y docente en la Universidad Privada del Norte de Trujillo.

¿Se considera un amante del cine?, ¿por qué?

Sí, simplemene fue amor a primera vista, algo que no puedo explicar.

¿Asiste constantemente al cine?

En realidad acudo una vez al mes, claro que antes con más fecuencia, pero siempre veo cine en casa, en promedio: una vez al día.

¿Cuál o cuáles han sido las mejores películas que ha visto?

He visto mucha películas buenas, tantas que ya no recuerdo, pero por nombrarte algunas:

• Alguién voló sobre el nido del cucú
• 1900
• Niños del paraíso
• Feos, malos y sucios

Entre otras

¿Y las peores?

Muchas también, como:

• Gris 2
• Soul plain

¿Qué opina del cine peruano?

Es un cine hecho con huevos, super entusiasta y cada vez que veo una película peruana la relaciono con las ochenteras.

¿Qué cambiaría del cine peruano?

Mejoraría la iluminación, el sonido y que sea original; que no copie las grandes producciones de otros cines.

Es poeta, narrador y periodista. Enseña Periodismo Literario y Fundamentos de Periodismo en la Universidad Privada del Norte de Trujillo.

¿Se considera un amante del cine?, ¿por qué?

Sí, pienso que el cine cumple el sueño escapista de multitudes, incluyéndome, de salir de la rutina y de la vida que llevan, me pasa lo mismo con la literatura.

¿Asiste constantemente al cine?

En realidad acudía con más frecuencia antes puesto que el ambiente era otro, las salas, la cancha, incluso era el mejor lugar para una cita, pero ahora hay más facilidades de tener un cine en casa, el DVD por ejemplo, pero no hay nada mejor que asistir al cine.

¿Cuál o cuáles han sido las mejores películas que ha visto?

He visto mucha películas que han sido buenas y otras que no, pero que me han causado un gran
impacto emocional. Por ejemplo:

• Campeón
• Tiempo de gitanos
• La estrada

Entre otras. Me han gustado muchas en realidad.

¿Y las peores?

En general  las decepciones que he sufrido son las producciones en las que se pasaron de los libros al cine, en especial: Amor en los tiempos de cólera.

¿Qué opina del cine peruano?

Creo es un cine incipiente poca producción, le falta respaldo del Estado no sólo en lo económico sino también en la difusión, ya que se mantiene a duras penas y considero que en verdad lo que hace es reflejar la realidad, pero hay gente súper talentosa como Lombardi.

¿Qué cambiaría del cine peruano?

Como ya dije el respaldo del estado y mejorar guiones.

El acuarelista dirigina y escrita por Daniel Rodríguez. El guión ha sido escrito por el propio Daniel, contando con el apoyo de Álvaro Velarde (El destino no tiene favoritos) y de Eduardo Mendoza (Mañana te cuento).

El protagonista de esta historia, que se anuncia estará llena de humor negro, será Miguel Iza, quien dará vida a un ex oficinista que decide seguir su sueño de convertirse en artista. Diferentes personajes se le pondrán en el camino tratando de desanimarlo de su decisión. Está por ejemplo una pareja, vecinos del singular personaje, que será interpretada por Salvador del Solar y Patricia Pereyra.

El Sr. T (Miguel Iza) llega a una tienda especializada en venta de útiles y obras de arte hechas por manos inspiradoras. El vendedor (Ricardo Goldenberg) lo observa y analiza s us preguntas, da con la conclusión que el Sr. T es un artista, y no uno de esos aficionados que abundan por ahí. T compra unos tubos de acuarelas. Establece una amistad con el vendedor y comienza a frecuentarlo para contarle que está harto del horario de oficina, que piensa abandonar todo para dedicarse a su sueño de hacer la acuarela perfecta. El vendedor trata de aconsejarlo, decirle que dedicarse a la acuarela requiere mucha paciencia. T no puede más, renuncia a su trabajo, abandona la casa de sus padres, y con todos sus ahorros se va a vivir a un edificio antiguo para pintar su acuarela soñada.

El edificio es habitado por oscuros personajes, sacados de un relato de historia de cuentos de terror. La esposa (Ana Cecilia Natteri) del administrador es una vieja metiche aficionada a inmiscuirse en la vida de los demás. El administrador (Enrique Victoria) es un viejo que quiere realizar una obra en el edificio, supuestamente para la mejora del mismo. El vecino del frente (Enrico Rovegno) al departamento de T, es un deportista frustrado con una pinta enfermiza. Su vecina (Patricia Pereyra) del otro frente, es una mujer que es maltratada por su esposo. El esposo (Salvador del Solar) de la vecina quiere que T pinte un cuadro de su mujer en forma vertical. La vecina (Sofía Rocha) del piso de arriba, se encuentra con su amante de otro piso entre 4 y 6 de la tarde, para que nadie interrumpa sus sesiones amorosas, le inventa unas clases de arte a su pequeño hijo (Joaquín Escobar) con el Sr. T en dicho horario. Los otros vecinos si bien no interactúan con T, tienen rostros gordos y feos, sus ojos parecen desorbitados.

T es un tipo bueno. Sus vecinos lo agarran de punto para lograr sus ansiados propósitos personales, sin embargo él no se queja ni dice nada. Se deja aplastar por todos. Y todo ello le perjudica en la búsqueda de realizar y terminar su ansiada obra de arte. Conforme avanza la película, su cuadro avanza pero una y otra vez es arruinado por las distintas circunstancias que se le presentan con los vecinos. Es como que su renuncia a la empresa haya sido en vano, porque está en un edificio donde sólo cambian los personajes pero es como si continuara en una empresa donde tiene un jefe jodido (el administrador del edificio), la chupamedias (la esposa del administrador), el envidioso y vengativo (el deportista frustrado), el soplón (el niño de lentes que busca joder a T), los demás chupamedias (absolutamente todos los demás personajes).

Conoce a una chica (Sol Alba) que hace el reparto de los tubos de acuarela que necesita T para realizar su obra. Se siente atraído por esa joven mujer. T tiene un galanteo torpe con ella. Lo bueno de este asunto es que permite que T no renuncie a largarse del edificio, cosa que él ya estaba pensando. El amor a veces puede ser un buen motivo para enfrentar las dificultades. La convierte en la musa de sus sueños, y con el recuerdo de su rostro y su cuerpo hace varias pinturas.

Un día, que sus vecinos lo han jodido harto al pobre T. Este se encierra en el baño y sentado en la tina realiza la acuarela perfecta. En el cuadro se ve a su musa, a él y al deportista frustrado pintado hacia el lado izquierdo del cuadro. T entra en un profundo sueño, cuando despierta los vecinos han organizado todo un escándalo, quieren acabar con T, él está desesperado, piensa que es una pesadilla. Para colmo de males, logra escapar hacia su cuarto y encuentra a su musa esperándolo. Él le dice que deben huir y ella le dice que no. Ella le dice que él debe ahora dedicarse sólo a pintar acu arelas o murales y como tiene talento, se va hacer millonario, ella se encargará de administrar todo su dinero. T piensa que ella también lo quiere joder, que todos se han puesto en su contra, le tira una bofetada. T se ha dado cuenta que basta de seguir siendo el bueno de la película. Ella de lo molesta que se pone, busca el cuadro perfecto de T y se dirige a la ventana. T no puede impedir lo que ella va hacer. ¿Qué ocurrirá después con T?

A excepción de Vidas Paralelas y Pasajeros, estrenados este año 2008, las tres siguientes películas que se estrenaron llámese Dioses, Un Cuerpo Desnudo y El Acuarelista tienen un estilo y una temática que se sale del clásico cine peruano. En Dioses además de contarnos el tema poco explotado de la clase rica en el Perú, tiene una acertada musicalización y buena fotografía. Un Cuerpo Desnudo es la historia íntima de cuatro amigos contada como una pieza teatral de suspenso llevada al cine, también con una buena musicalización. Finalmente El Acuarelista pasa a convertirse en una alucinante propuesta existencialista para un público acostumbrado a ver Hollywood. La película es una obra artística del tipo impresionista por las sensaciones que nos produce verla, el color, la fotografía y los efectos especiales usando las acuarelas. La obra va a un ritmo lento, como el personaje interpretado por Miguel Iza (un actor excelente que es capaz de interpretar todo tipo de personajes). En El Acuarelista el tema de musicalización pudo hacerse mejor. Sólo gana puntos en dos escenas claves.

La primera cuando el niño perverso y lleno de frustraciones malogra uno de los primeros cuadros que pinta el Sr. T, en ese instante su madre hace el amor con otro vecino del edificio, al mismo tiempo T se da cuenta de todo lo que está aconteciendo en ese instante, al rato el niño empieza a pegarle al Sr. T, finalmente el niño se pone su inhalador para el asma. Termina la música y termina la escena. La música que acompaña la escena y el rostro de Miguel Iza reflejan la sensación de desesperación que está viviendo el personaje.

La segunda escena es cuando el Sr. T y su bella musa tienen una cena romántica en la casa de nuestro soñador. Ella se acerca a la paleta de acuarela y mancha sus dedos de colores, con los cuales luego hace pintas en su frente y debajo de su boca. T se acerca, ella le toma sus manos y las pone en la paleta, luego lleva los dedos de T hacia su cuerpo de ella para que continúe pintándola. Luego empiezan a besarse con ansias desmedidas. Toda la escena va acompañada de un bolero melodioso.

El Acuarelista es una obra que no busca un final feliz ni un final trágico. Para lograr nuestras metas, el camino no será fácil, habrán muchas piedras, pero tarde o temprano si las sabemos sortear lograremos nuestros propósitos. Si no lo sabemos sortear, quizá escogimos el camino incorrecto y debemos buscar otro. No importa la edad ni el tiempo, si no perseverar.

Daniel Ró:

Desde los inicios del cine y de la creación de películas, muchas interrogantes hechas por los creadores rondaban sus cabezas, y es que a pesar de haber logrado una de las mayores industrias, siempre el hombre por naturaleza quiso llegar más lejos.

Es así que se desarrollan los soundtracks, cuya misión es fundirse con la trama de la película para crear un ambiente de mucho realismo y sentimentalismo, muchas de estas se hacen con ayuda de bandas sonoras como pueden ser las orquestas sinfónicas, etc. Acoplar la música a las imágenes requiere una capacidad muy especial por parte del creador para interiorizar las emociones que el realizador pretende provocar en determinados momentos del argumento cinematográfico.

La banda sonora de un filme tiene que reforzar, con sus efectos, las intenciones de cada secuencia, sea con orquestaciones, con ritmos diferentes o incluso con el recurso de los silencios. Esa es la clave para que la simbiosis sea eficaz.

Existen compositores muy famosos tales como John Williams que ha realizado las bandas sonoras de películas de aventuras o Ennio Morricone que las ha realizado de westerns.

Banda Sonora Original (B.S.O), en inglés Original Soundtracks (O.S.T), a veces simplemente banda sonora, y también a menudo en el argot cinematográfico, soundtracks.

Técnicamente, banda sonora, es la parte de sonido completa y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sean diálogos, sonidos y música de una obra o el acompañamiento paralelo. Normalmente, y con raras excepciones, el término alude solamente a la música de un film o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora original aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Compositores famosos de bandas sonoras son Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo, La misión, Cinema Paradiso…), John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias, Indiana Jones…) o Hans Zimmer (El Rey León, Gladiator, las dos secuelas de Piratas del Caribe…).

La banda sonora de una película en su sentido físico puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de manera similar a como lo haría un lector de cassettes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta del film. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.

También se utilizan, aunque no tan frecuentemente aún, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

Ya todos conocemos a Los Beatles; entre las tantas historias y anécdotas que solíamos escuchar de “alguien”, un fanático del rock clásico, que te contaba una y otra vez, que, por ejemplo, Hey Jude es la primera balada rock, que en la letra inicial de Yesterday decía Scrambled eggs / Oh my darling you’ve got lovely legs, o que esta misma canción es la más interpretada de la historia (la que más covers tiene), finalmente podemos, y es que va con la temática del blog, mencionar que Los Beatles también fueron merecedores de uno de los Premios de la Academia, por mejor adaptación musical de una de sus películas. Por Dios, ¿hasta dónde llegaron estos tipos?

Comenzando por A Hard Day’s Night (1964), que fue la primera película, una comedia británica escrita por Alun Owen en pleno esplendor de la Beatlemanía. El director fue Richard Lester, el productor Walter Shenson y el director de fotografía Gilbert Taylor. Además de Los Beatles, el reparto incluía a Wilfrid Brambell, Norman Rossington, John Junkin, Lionel Blair, Victor Spinetti, John Bluthal y Derek Nimmo. La banda sonora, con el mismo título de la película, A Hard Day’s Night, sería el tercer disco de la agrupación y su primera banda sonora. Se estrenó el 6 de julio de 1964. Estuvo dos veces nominada a los Oscar por la banda sonora, pero al final no se los dieron. A Ringo, a partir de esa pelicula, lo ficharon para hacer otras porque, según los críticos de cine, tuvo una excelente actuación en la escena en que se va solo a dar un paseo, se encuentra con un niño y se le cae la cámara al agua, dicen que refleja muy bien la tristeza que sentía.

Help! (1965), título de la segunda película protagonizada por ellos mismos y Leo McKern, Eleanor Bron, Victor Spinetti, John Bluthal y Roy Kinnear; dirigida por Richard Lester, el mismo que A Hard Day’s Night. La banda sonora fue lanzado como un álbum de Los Beatles, también llamado Help!. Esta película comenzó con el título Eight Arms To Hold You (Ocho Brazos para atraparte), posteriormente se le cambió el título por Help!. Como Ringo Starr había destacado en la primera, se le dio el papel protagonista.Tampoco tuvo ningún premio.

Magical Mystery Tour (1967), se trata de un especial de una hora de duración que fue emitida a través de la cadena BBC TV el 26 de diciembre de 1967. Aparte de no tener ningún premio, los críticos de cine dijeron que era un fracaso y que poca gente fue a verla, la película no fue muy bien recibida por el público y por la crítica. Paul contestó que en los cines la pusieron en blanco y negro y en esa pelicula destacaba el color. Sin embargo hoy es considerada una película de culto.

Yellow Submarine (1968), es una película animada de 1968 basada en la canción de estos. Fue dirigida por el animador canadiense George Dunning, y producida por United Artists y King Features Syndicate. Los mismos Beatles aparecen sólo en el casi final de la película, con los Beatles animados doblados con otros actores. Este film fue vanguardista, excitante, algo realmente nuevo en el mundo de la animación y con un éxito apoteósico. El argumento narra las peripecias de unos Beatles dibujados, sobre un universo irreal de fantasías psicodélicas, con seres y espacios evocadores de esta estética. Toda esta mezcla consiguió entusiasmar a los seguidores como nunca otra película lo había hecho. Esta película es fantástica. Tuvo dos Grammys, por mejor guión original y por mejor representaciòn dramática.

Y, finalmente, Let It Be (1970), esta es la quinta y última entrega cinematográfica que hicieron. Trata sobre el trabajo habitual del grupo y que permitirá introducir nuevas canciones, pero en este film se puede apreciar las diferencias que existían entre ellos y el ambiente de trabajo era muy tenso. Lo bueno de este film fue que la canción Let It Be obtuvo un Oscar a la mejor canción de esta película y el premio fue a recogerlo Paul ya que de algún modo se lo merecía, pues fue el que realmente estaba interesado en que todo saliese bien.

Es evidente que Los Beatles no solamente triunfaron en el ámbito musical, teniendo muchas de sus canciones siempre en las listas más importantes de Inglaterra, de Estados Unidos y de otros países con fanáticos que siempre estuvieron comprando sus discos; sino que dieron un salto, desde la primera época de su existencia, hacia otro de las siete artes, que es el cine; con fracasos y éxitos, siempre destacaron.

Disfruten este video, fragmento de Yellow Submarine, la canción es Nowhere Man:

Sinopsis

Casablanca cuenta una historia de amor con un final feliz truncado, ésta se ubica en la época del nazismo y de la Segunda Guerra Mundial, se desarrolla en una ciudad llamada Casablanca, Marruecos, en el noroeste de África.

Tras la invasión del grupo alemán en Francia, muchos se vieron obligados a dejar el sitio y marcharse a un lugar más seguro para no ser atrapados (aquellos que eran buscados) y ser víctimas del abuso alemán en los campos de concentración.

Todo comienza con la difusión de una noticia; habían asesinado a unos mensajeros alemanes que portaban dos cartas de tránsito que permitían la salida de Casablanca; del robo de estos importantísimos documentos se desprenden los hechos. Todos querían esos papeles, todos querían dejar la ciudad, buscaban una mejor vida en América.

Rick Blaine es un hombre muy conocido en Casablanca, propietario de un bar llamado igual que su nombre: Café de Rick (Rick’s Café Américain). Ugarte, quien obtuvo por desconocidas razones las cartas de tránsito robadas, le encargó a Rick tales documentos, antes de ser arrestado por la policía local bajo el mando del capitán Renault.

Ugarte ya había ofrecido las cartas a una pareja que necesitaban ir a América, ellos eran Victor Laszlo e Ilsa Lund. Victor era líder de un grupo en contra del nazismo, por lo tanto necesitaba ir a Lisboa en donde podía ir luego a Estados Unidos para continuar con su trabajo. Esa noche ellos se presentan en el local e Ilsa se reencuentra con Rick. Rick muy deprimido comienza a recordar lo que Ilsa y él tuvieron en Paris y por qué se separaron.

Victor e Ilsa buscan la forma de salir de Casablanca, visitan el Blue Parrot, en donde hablan con Ferrari, el dueño, éste no puede ayudarlos, tan solo enviaría a uno fuera de Casablanca, ellos no aceptan el trato. Luego, Victor trata de convencer a Rick por dinero, Rick no quiso por rencor y venganza a lo que Ilsa le hizo. Luego de eso, el mayor Strasser ordena cerrar el local por un acto nacionalista en donde los alemanes se sintieron derrotados, cantaron el himno de Francia. Esa misma noche, cuando el local estaba vacío, Ilsa regresa para hablar con Rick y lo hace reflexionar, le hace ver lo que podría o no podría ocurrir si Victor no continúa su labor.

Rick idea un plan engañoso para sacar a Victor y a Ilsa del país sin perjudicar a nadie. Ya en el aeropuerto, a minutos del despegue del avión, Rick e Ilsa tienen que despedirse. El avión parte, llega el mayor Strasser para impedirlo pero no lo logra, intenta pedir ayuda, Rick le dispara; el capitán Renault sabiendo lo que en verdad había pasado no acusa a Rick. El capitán Renault y el señor Richard observan como el avión se aleja con destino a Lisboa. Es ahí en donde Rick Blaine dice tal frase famosa: “Louis, creo que este es el principio de una gran amistad.” (“Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship”)

Perfiles

Richard Blaine

Dueño del local Café de Rick. Un hombre amargado y de sentimientos muy guardados, poco expresivo. Rick confía en pocas personas. Participó en revueltas en contra de las ideologías europeas de la época, fiel partidario de sus ideas. Se dio cuenta de las pocas cosas que ganaba al luchar por otras personas lo cual lo hizo una persona tal y como es ahora, no arriesgaría su vida por nadie. Rick sufrió una decepción amorosa con Ilsa; se amaban a pesar de que cada quién conocía muy poco de la vida del otro por consiguiente no sabía acerca del matrimonio de Ilsa.

Ilsa Lund

Ilsa es más amante que esposa. Ilsa se había casado con Victor Laszlo, ella al enterarse de la muerte de Victor decide empezar una nueva relación, es ahí donde conoce a Rick y entablan una relación muy cercana, ellos se enamoran a tal punto que indirectamente planearon casarse. Ilsa nunca dejó de amar a Rick, ni mucho menos a Victor al saber que aún estaba vivo. Ilsa abandona a Rick en el útimo momento, pero ella seguirá pensando en él y todo lo reviven en el reencuentro.

Victor Laszlo

Victor se había casado con Ilsa. Ha sido testigo de los abusos de los alemanes en los campos de concentración y ha sido apresado por actos revolucionarios. Él es una persona prudente, sincera, tranquila e inteligente, piensa bien las cosas y saca conclusiones lógicas.

Apreciación crítica

Realmente el comienzo de la película me pareció aburrido y poco inspiradora, sabía que venía algo mejor. La historia se basa en un cuento de amor y lo que éste puede llegar a hacer; el amor, un tema clásico y universal, creo yo, siempre se estará tratando en la mayoría de las obras. Casablanca como producción es buena, no por las puras es merecedora de tres Oscar como mejor película, mejor director (Michael Curtiz) y mejor guión adaptado.
El papel que más me agradó fue el de Rick, su desenvolvimiento y su forma autoritaria de tratar a las personas, siendo sincero y muy directo. Y el que definitivamente no va conmigo es el de Ugarte, como dijo Rick: “Lo que detesto es un parásito barato.”
Muy recomendable, de hecho que ésta no será la única vez que la voy a ver.
“Capturen a los sospechosos de siempre.” (“Round up the usual suspects.”)

¡Disfrútenla!

El cine norteamericano

La creciente importancia de la televisión había llevado a los estudios de Hollywood a experimentar con diversas modalidades de pantalla ancha para combatir el nuevo medio, pero la naturaleza de las películas no había cambiado significativamente. A comienzos de los 60, Doris Day seguía siendo la novia de América. Pero a finales de la década, la estrella de Day se había eclipsado casi del todo, viéndose ensombrecida por el nuevo estilo de películas ejemplificado por Buscando mi destino (Easy Raider) y Grupo salvaje (The Wild Bunch), ambas de 1969. Uno de los elementos que más contribuyó a acelerar el inevitable cambio en La fábrica de sueños fue la muerte o el retiro de numerosas figuras clave de la era dorada de la industria cinematográfica americana. Sam Goldwyn había dejado de producir películas, y la MGM, empezó a declinar a finales de los 60, la Universal se centró en la televisión y en la industria turística, mientras que la Paramount buscó refugio en los brazos del grupo de compañías Gulf and Western; por su lado la Warner Bros. se vio absorbida por el grupo Kinney. La United Artist, que había comenzado a existir como consecuencia del intento de cuatro cineastas independientes de liberarse de las interferencias de los grandes estudios, paradójicamente se salvó sólo gracias a la proteccioón de la Transamérica Corporation. Si hubo una película de los años 60 que simbolizó el fin del viejo Hollywood fue Cleopatra (1963), cuyos costos ascendieron finalmente a 40 millones de dólares. Cleopatra fue un glorioso canto de cisne del viejo Hollywood, al igual que su estrella, Elizabeth Taylor, fue uno de los últimos grandes mitos fabricados por los grandes estudios. Tras el relativo fracaso de Cleopatra, los enormes rendimientos en taquilla de títulos tales como Bonnie y Clyde y El graduado, ambas de 1967, confirmaron a la industria americana del cine que los triunfos estaban cambiando de manera irreversible. Tanto Bonnie y Clyde como El graduado eran obra de actores y directores formados más en el mundo del teatro de Nueva York que en el cine de Hollywood.

En la década de los 60, los profesionales de la televisión fueron reemplazando poco a poco a los de Broadway o a los formados en los grandes estudios como nueva cancha de guionistas y directores de talento para Hollywood. Esto no quiere decir que los talentos autóctonos de Hollywood desaparecieran en la década de los 60. Pero apenas surgieron nombres nuevos. En la década de los 60 también comenzaron a desaparecer los musicales cinematográficos en la tradición de Sombrero de copa (1935) y Cantando bajo la lluvia (1952). Los pocos musicales que se rodaron durante este período fueron por lo general adaptaciones de obras que habían tenido previamente éxito en Broadway. La figura cinematográfica clave de la época fue probablemente James Bond. Los costes de las películas de la serie se hicieron cada vez mayores; también se alejaron cada vez más de las novelas originales. Su éxito dio lugar a toda una serie de imitaciones. Este éxito hizo que en el género de espionaje se pusiera más énfasis en la evasión que en el realismo. A finales de los 60 estaba ya claro que las películas más taquilleras eran las que atraían a los espectadores jóvenes. En el año 1969 se produjo la aparición de toda una serie de películas que demostraban la fuerza de esta nueva tendencia. Buscando mi destino, consiguió enormes beneficios. Grupo salvaje parecía sugerir que la violencia, artísticamente mostrada, podía tener también éxito comercial, y Dos hombres y un destino (Buch Cassidy ant the Sundance Kid, 1969) confirmó la sospecha de que, aunque los jóvenes podían despreciar los viejos mitos, necesitaban urgentemente otros nuevos.

El cine de Ciencia-Ficción

Para el crítico de cine, Jordi Costa, el cine de ciencia-ficción (CF) había nacido como género cinematográfico en la década anterior, en los 50. El cine de CF de los 50 era un cine, salvo honrosas y contadas excepciones, de serie B, incluso algunas producciones llegaban a la categoría de serie Z. Era un cine barato, hecho con pocos medios y destinado al público joven. Las películas que daban más beneficios eran las que atraían a los espectadores jóvenes, y parecía que la CF era muy del agrado del público joven. Así que se continuó con la tendencia, y se siguieron haciendo películas de serie B, aunque ahora se invertía más dinero en ellas, puesto que ya eran una apuesta segura. Además, había que inverir más, para pagar los cada vez más caros y sofisticados efectos especiales. Tenemos que recordar aquí a Roger Corman (“el rey de la serie B”, en los 50), que siguió dirigiendo y sobre todo produciendo películas de corte fantástico. Como por ejemplo: El hombre con rayos X en los ojos (1964), que tuvo un notable éxito. Pero no todo fue serie B, también se hicieron películas de una gran calidad, como Farenheit 451 (1966) de François Truffaut, que adaptaba la novela homónima del escritor de CF Ray Bradbury.

No hay que olvidarse de la televisión, donde también la CF triunfó, con series como la británica Dr. Who (1963-1989), Los guardianes del espacio (Thunderbirds, 1966) , Perdidos en el espacio (Lost in space, 1965-1968), Viaje al fondo del mar (Voyage to the bottom of the sea, 1964-1967) y la ya mítica serie La conquista del espacio (Star Trek, 1966-1969). Volviendo al cine, a finales de los 60, concretamente en 1968, la cosa cambió, ya que se estrenó 2001: Una odisea del espacio. Muchos hablan de un antes y un después de 2001. Y es que la mayoría de producciones de CF posteriores trataron de imitarla, al menos estéticamente, gastando miles de millones en efectos especiales. Pero no hay que olvidar que ese mismo año, 1968, además de 2001, se estrenaron otras películas de muy diversa índole y de corte fantástico que también tuvieron su éxito, convirtiéndose algunas en películas de culto como La noche de los muertos vivientes (Night of the living death, 1968); otras pasaron sin pena ni gloria, como Barbarella (1968), y otra debido a su éxito fueron desvirtuándose con numerosas secuelas y remakes, como pasó con El planeta de los simios (The planet of the apes, 1968).

El cine adaptado para ciegos utiliza el sistema de audiodescripción. Éste es un programa que permite a las personas ciegas y deficientes visuales tener acceso al cine y a otras manifestaciones culturales, pertenecientes al ámbito del arte audiovisual. Por ejemplo: una obra de teatro, una serie de dibujos en la televisión o un vídeo didáctico (documental).

El servicio de audiodescripción consiste en un sistema creado para sustituir la falta de percepción visual (vacío de imágenes) por descripciones sonoras complementarias. Su finalidad es proporcionar información sobre: situación espacial, gestos, actitudes, paisajes, vestuario, etc. En definitiva, detalles que son esenciales para comprender el desarrollo de la narración.

Los avances técnicos, la aparición de nuevos formatos de presentación DVD y una mayor sensibilidad social dejan una puerta abierta a las necesidades de los colectivos con dificultades sensoriales. Además, permiten el diseño de la adaptación de la producción audiovisual. Esta se realiza mediante una banda reservada, esencialmente, para la introducción de descripciones sonoras (en el caso de los ciegos) y subtítulos (en el caso de los sordos).

Existen guionistas de audiodescripción. Éstos se ocupan de elaborar la pista hablada, que se añade a la película original, ofreciendo información sobre los movimientos, los gestos o el vestuario, pero nunca alterando el contenido original de la grabación. Se muestra ejemplo en la página web de la organización española ONCE.

La ONCE dispone de una filmoteca, donde se pueden encontrar todo tipo de adaptaciones audiovisuales en el sistema de audiodescripción, entre otras tienen:

• Películas antiguas como Desayuno con diamantes.
• Películas actuales: El señor de los anillos, o 21 gramos.
• Documentales
• Dibujos animados como La dama y el vagabundo
• Obras de teatro
• Musicales como El fantasma de la ópera

Además la filmoteca cuenta con producciones propias. Se emitió en televisión una serie de dibujos llamada Nicolás. Era una serie protagonizada por un niño ciego. Un intento de integración social que pretendía romper las barreras entre videntes e invidentes. Se emitía en la primera cadena de Televisión Española, en sistema de audiodescripción.

Cabe decir que las películas adaptadas al sistema de audiodescripción se realizan con posterioridad a la proyección de las mismas. Es decir, que los ciegos no disponen del producto al mismo tiempo que el colectivo de los videntes, sino que deben esperar un tiempo hasta que el equipo de profesionales lleve a cabo la adaptación.

Por tanto, la audiodescripción es una herramienta que permite a los ciegos acceder al mundo del cine. Este sistema es la ventana a través de la cual los invidentes pueden acceder al mundo de las imágenes, explicadas mediante voz humana.

Hablar del cine es también hablar de los premios Oscar y su simple creación, pues el 4 de mayo de 1927, exactamente 36 personas se reunieron y decidieron crear la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood (Academy of Motion Picture Arts and Sciencies), y su presidente Samuel B. Mayer y la Metro Goldwing Mayer propusieron la creación de un premio anual en forma de estatuilla.

Cedric Gibbons fue el encargado de escoger entre diversos artistas de Los Ángeles el diseño de la peculiar estatuilla: un hombre desnudo posando con una espada y de pie encima de una cinta de una película que tenía 5 pequeños agujeros; cada uno de ellos representaba las diferentes secciones de la Academia: actores, directores, escritores, técnicos y productores. El fin de todo esto era mejorar las películas y perfeccionar métodos y equipos.

Al principio esta estatuilla no tenía nombre. En 1931 Margaret Herrich, bibliotecaria de la Academia, comentó al ver la estatuilla: “¡Ahí va, si se parece a mi tío Oscar…¡”. En la entrega de premios de 1932-33, Walt Disney lo bautizó así al recibirlo y a partir de esa anécdota el premio pasó de llamarse “Academy Award” a “Oscar”.

La primera entrega de los Premios Oscar de la Academia se celebró el 16 de mayo de 1929, en medio de un banquete realizado en el salón Blossom del Hotel “Hollywood Roosevelt” de Los Ángeles, después el escenario para la entrega de los premios ha ido cambiando de año en año. Este año se ha celebrado en el Teatro “Shrine Auditorium” de Los Angeles (California).

En la primera entrega se dieron quince estatuillas, en la segunda, se redujeron a siete: Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Director, Mejor Director de Arte, Mejor Libretista, Mejor Cinematografía y Mejor Película. Desde entonces, los premios han ido creciendo poco a poco, hasta darse veinticinco estatuillas en la edición del 2000. Pero esto no es simple, para otorgar estos premios se creó un comité que ideó un sistema de votación para elegir los trabajos más distinguidos del año. El proceso de nominaciones ha tenido variantes hasta establecerse tal y como lo conocemos hoy en día. Actualmente la Academia está formada por más de 6000 hombres y mujeres, que son actores, directores, fotógrafos, músicos, directores de efectos visuales, guionistas, etc.

El Oscar mide poco más de 34 centímetros y pesa unos cuatro kilos. Siempre ha mantenido el mismo diseño, aunque ha sufrido algún cambio a lo largo de su historia, de entrada, el material con el que se fabrica: en sus orígenes, la estatuilla era de bronce macizo bañado en oro, pero poco después pasó a elaborarse en una aleación que permitía darle un acabado pulido.

Cada año se fabrican entre 50 y 60 estatuillas: las que no cumplen todos los controles de calidad son partidas y fundidas de nuevo. Se calcula que para fabricar un Oscar se necesitan 12 personas que tardan unas 20 horas en elaborarla.

Los premios los reciben el actor, actriz, director, o representante legal de la película, o corto cinematográfico, que se presenta candidatos a la elección o otorgación de los premios.

Sabemos que hay 23 tipos de premios, según especialidad en la materia, por ejemplo: mejor actriz, mejor sonido, mejor director, mejor actor (que es uno de los premios más esperado y soñado en la vida de cualquier actor), entre otros. Hay 224 películas que compiten para ganar un Oscar.

Más conocidos como los padres del cine; y es que la nominación no es por las puras.

Su padre, retratista pintor retirado, quien se dedicó a la fotografía teniendo así su propio taller, en donde los hermanos trabajaban con él, siendo Louis físico y Auguste administrador. Cuando su padre murió, ellos continuaron con el negocio familiar y se dedicaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento.

En 1895, Louis consigue construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico, que permitía filmar imágenes en movimiento y proyectarlas. Con él rodó La salida de los obreros de su fábrica, de menos de un minuto, mostraba a los obreros saliendo de la fábrica luego de una jornada laboral, escena que se puede apreciar al inicio del video citado en este post. Su primera película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre del presente año.

Lo que el video muestra son los primeros films de los hermanos Lumière, estando entre ellos: La salida de la fábrica Lumière (4:25) -considerada la primera película-, La llegada de un tren a la estación de la Ciotat -el cual causó el efecto de una locomotora ya que parecía salir de la pantalla avanzando hacia el espectador, el público se alarmó; sin embargo fue sorprendente-, El desayuno del bebé (2:32) y El regador regado (3:05) -considerada la primera comedia del cine-

Los Hermanos Lumiere, con sus filmaciones de escenas de la vida cotidiana realizaron los primeros intentos de crear un lenguaje narrativo en el cine. Sus primeras películas eras cuasi documentales de la época.
Al poco tiempo los Lumiere declararon que el cinematógrafo era un invento sin futuro, que el cine es una invención sin ningún futuro, utilizable sólo para el ámbito de la intimidad, y se volcaron al desarrollo de la fotografía a color, dejando el camino del cine libre para que personas como George Mélies, los hermanos Pathé (quienes compraron las patentes de Lumiere) y Edwin Porter, entre otros, continuaran su camino.
Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscopio.

P.D.:

Cuenta la leyenda que los primeros que vieron la proyección de La llegada de un tren a la estación de la Ciotat, tenían la impresión de que lo que estaba sucediendo era tan real que se agachaban y hasta incluso se levantaban y se movían ante la llegada del tren.